Summer Wars: recensione per i dieci anni del film di Mamoru Hosoda

Era il 1 agosto 2009, quando nelle sale giapponesi usciva Summer Wars, il film che consacrò Mamoru Hosoda come autore di riferimento per gli anime fan di tutto il mondo. Dopo il successo de La ragazza che saltava nel tempo, che aveva rilanciato un soggetto molto noto in Giappone tratto dal romanzo di Yasutaka Tsutsui, lo studio Madhouse decise di replicare con una nuova avventura in salsa sci-fi mettendo in campo la stessa squadra vincente: il regista Mamoru Hosoda, la sceneggiatrice Satoko Okudera e il famoso character designer Yoshiyuki Sadamoto (Neon Genesis Evangelion). Il film bissò il successo del precedente, incassando più di 1 milione di dollari solo nel primo weekend e classificandosi 7° al botteghino giapponese. Partecipò inoltre a svariati festival in giro per il mondo (Annecy e Berlino su tutti) riscuotendo una serie di riconoscimenti, fra i quali la candidatura all’Oscar, la nomina al Pardo d'Oro al Festival di Locarno del 2009, i premi come miglior film d'animazione ai Japan Academy Awards e al Japan Media Arts Festival.

Rivedendolo oggi, a dieci anni di distanza, bisogna riconoscere che si rimane ancora abbagliati dalla qualità dei disegni e delle animazioni, nonché intrigati dal sotto testo insito nella trama, con particolare riferimento alla presenza pervasiva del web e dei social network, trasfigurati quasi come un moderno mostro di Frankenstein. Quale contesto migliore dell'autentica provincia giapponese per mettere in scena un socio-dramma in cui i valori tradizionali stridono con le moderne tecnologie digitali?
 

 



Il tema portante di Summer Wars si basa quindi sul timore diffuso per la ricerca tecnologica, ipotizzando su come la sua applicazione scriteriata possa implicare un pericolo per l’umanità. In effetti l’idea dell’attentato telematico che può causare una catastrofe planetaria non è certo una novità al cinema, basti pensare a un vecchio film degli anni ’80 un po’ sottovalutato ma pionieristico in tal senso: Wargames - Giochi di guerra, diretto da John Badham con Matthew Broderick, in cui un giovane hacker si infiltra nel sistema informatico del Pentagono rischiando di causare la guerra termonucleare globale.

Del resto gli anime fan più esperti noteranno subito che la trama di Summer Wars ricalca pedissequamente quella di un vecchio progetto dello stesso Hosoda: Digimon Adventure: Our War Game (2000). Le similitudini tra i due film sono molteplici ed è come se il regista (questa volta con l’aiuto di Satoko Okudera) abbia voluto manipolare il suo prototipo ad uso e consumo di un pubblico più ampio, inserendo temi più complessi e personaggi più maturi. Summer Wars diventa così un’occasione per esplorare il conflitto tra gli estremi della società giapponese: economia e utopia, tradizione e modernità, individualismo e cultura di massa.
 

Rispetto ai suoi precedenti lavori, il regista imbastisce un'operazione più ambiziosa e di più largo respiro. Si tratta infatti di un film corale di quasi due ore in cui la coppia di adolescenti fa da perno attorno al quale gravita uno sterminato gruppo di personaggi (tutti parenti di Natsuki), un assortito albero genealogico che si fatica a seguire, ma che recita la propria parte come se fosse un unico grande protagonista: la famiglia.

L’enorme cast se da un lato esalta la qualità delle animazioni (in alcune scene di gruppo è tutto un brulicare di gente che si muove da qualche parte sullo schermo e ognuno compie gesti autonomamente con la naturalezza di un film live), dall’altro potrebbe rivelarsi un difetto nella gestione della storia. Sebbene siano tutti caratterizzati realisticamente e credibili, alcuni personaggi sono poco approfonditi, altri vengono introdotti per poi scomparire nell’anonimato e almeno la metà di questa folla non influisce minimamente nell’economia del racconto. 

 

A fare le spese di questa sovrabbondanza di “attori” sono proprio i protagonisti principali che rimangono abbozzati e poco originali. Kenji, inquadrato nello stereotipo (fin troppo abusato negli anime) dell’otaku timido e geniale, e Natsuki che, nonostante la sua performance decisiva sul piano della battaglia finale, ne esce con un ritratto piuttosto debole e incolore. Il suo rapporto con Kenji si sviluppa blandamente e si avventura in modo poco plausibile nel territorio del melodramma. Su tutti i componenti del clan spiccano: la stoica nonna Sakae, matriarca e depositaria di antica saggezza che in età avanzata tiene le fila della famiglia e affronta la crisi scatenata da Love Machine con autorevolezza e mezzi del tutto analogici; l’ombroso e affascinante Wabisuke, ricalcato sulle fattezze dell’attore Yūsaku Matsuda; e il tredicenne Kazuma, fortissimo e carismatico nel mondo di Oz con l’avatar di King Kazma.

Nonostante alcuni passaggi un po’ contorti, i risvolti prevedibili, le piccole incongruenze ed altre poco credibili coincidenze, tutto sommato l’intreccio fila liscio sul doppio livello virtuale/reale fino al suo climax, con un esplicito elogio finale al valore senza tempo dei legami familiari, che in questo caso risalirebbero all'epoca Muromachi (1336-1573 d.C.).
 

Visivamente il film gode di una qualità eccezionale non solo per l’accattivante character design di Sadamoto, che brilla per naturalezza ed espressività. La narrazione di Hosoda alterna sapientemente le scene composte del mondo reale in marcato contrasto con le sequenze l’ipercinetiche di Oz.

La parte realistica è ambientata nei pressi di Ueda, città storicamente governata dal famoso clan Sanada, su cui si basa la fittizia famiglia Jinnouchi. Qui si apprezzano i pittoreschi paesaggi della regione montuosa di Nagano (sotto cieli spaziali alla Makoto Shinkai) e i magnifici interni della tenuta di famiglia, tradizionalmente in legno. Spesso si ha l’impressione che il regista renda omaggio al grande Yasujiro Ozu, sia per i tagli fotografici che esaltano le architetture, e sia per il tema pregnante della famiglia multigenerazionale.

Nel mondo di Oz invece è la CGI a farla da padrona con la sua caleidoscopica esplosione di grafica poligonale e la sua tavolozza di colori fluo. Qui le menti creative di Madhouse hanno scatenato la loro più sfrenata immaginazione. Migliaia di grotteschi avatar animali dagli occhi enormi e dai denti affilati come rasoi gravitano nel cyberspazio e rimandano direttamente alle creazioni Neo-Pop dell’artistar Takashi Murakami. A proposito, vale la pena ricordare la collaborazione tra Hosoda e Murakami per due cortometraggi usati come pubblicità da Louis Vuitton e intitolati Superflat Monogram (2003) e Superflat First Love (2009).

L'animazione fluida de La ragazza che saltava nel tempo fa un passo in avanti con Summer Wars, grazie al superbo lavoro di Hiroyuki Aoyama, responsabile dell'animazione delle scene ambientate nel mondo reale con tecniche tradizionali, e di Tatsuzo Nishida che ha supervisionato l'animazione all'interno di Oz, utilizzando la CGI con l’apporto dello studio Digital Frontier. In questo caso l’enorme quantità di dettagli negli sfondi e la vivace colorazione sembrano sfruttare al meglio le potenzialità del mezzo tecnico. Le scene di combattimento si distinguono per velocità e versatilità, mentre molta cura è rivolta alle espressioni facciali e al linguaggio del corpo dei personaggi. È proprio la scrupolosa attenzione ai dettagli che rende questo film una meraviglia da guardare.




 
In definitiva siamo di fronte a un sofisticato film di intrattenimento che mette insieme commedia, thriller, dramma e azione, il cui fascino si rivolge non solo ai fan dell’animazione giapponese. Hosoda è riuscito a bilanciare una grafica altamente spettacolare con un complesso studio dell’ambientazione e dei personaggi, per una miscela quasi perfetta di critica sociale e fantascienza, insieme contemporanea e senza tempo.